अतियथार्थवाद की कैटलन प्रतिभा ने अपने अद्वितीय चित्रों के लिए प्रेरणा कहाँ से ली: जोन मिरो

2024 लेखक: Richard Flannagan | [email protected]. अंतिम बार संशोधित: 2023-12-16 00:06

जोन मिरो यूरोप में 20 वीं शताब्दी के सबसे प्रभावशाली अवंत-गार्डे कलाकारों में से एक बन गए। वह सदी के अंत में यूरोप भर में उभरे असली और क्यूबिस्ट आंदोलनों से प्रेरित थे, और अपनी विशिष्ट शैली विकसित करना जारी रखा, असामान्य और कभी-कभी सनकी टुकड़े बनाते थे।

जोआन मिरो 20वीं सदी के प्रभावशाली चित्रकार, मूर्तिकार, सेरामिस्ट और उत्कीर्णक थे, जिनका जन्म 1893 में बार्सिलोना के पास स्पेन के कैटलन क्षेत्र में हुआ था। उन्होंने एक बच्चे के रूप में पेंटिंग शुरू की और बाद में बिजनेस स्कूल के साथ-साथ ला लोंगजा स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में भी भाग लिया।

अपनी युवावस्था में, वह कैटेलोनिया के समृद्ध लोककथाओं से परिचित हो गए, जिसने बाद में उनकी कल्पना को प्रभावित किया, जिसमें उन्होंने कंकड़ और पेड़ों सहित सभी प्राकृतिक रूपों को प्राणियों के रूप में देखा। बार्सिलोना में कैटेलोनिया के संग्रहालय की यात्रा के दौरान, वह 9वीं-12वीं शताब्दी के भित्तिचित्रों के साथ चर्चों के पूर्ण अंदरूनी हिस्सों से परिचित हुए, उनके अपेक्षाकृत मोटे निष्पादन और सरल, सपाट और कैरिकेचर छवियों के साथ।

इन सभी तत्वों को कलाकार के काम में देखा जा सकता है, साथ ही पैमाने के अंतर का उपयोग, जहां एक आकार दूसरों की तुलना में असमान रूप से बड़ा होता है, एक तकनीक अक्सर बच्चों द्वारा उपयोग की जाती है जब वे वस्तुओं को उनके लिए सबसे बड़ी वस्तु बनाते हैं। छवि।

बिजनेस स्कूल में तीन साल के बाद, जोन को एक फार्मेसी में एकाउंटेंट के रूप में नौकरी मिल गई जिसे उसके माता-पिता ने उसके लिए चुना था। वहां उन्होंने अधिक काम किया और "नर्वस ब्रेकडाउन" के कगार पर गंभीर रूप से बीमार हो गए, जिसके बाद टाइफाइड बुखार का दौरा पड़ा। फिर उसके माता-पिता उसे अपने नए देश के खेत मॉन्ट्रोइग में ले गए, जो एक सुनसान कैटलन गांव में स्थित है। उनकी स्वास्थ्य स्थिति ने उनके माता-पिता को उन्हें वह करने की अनुमति देने के लिए मजबूर किया जो वे सबसे ज्यादा करना चाहते थे - पेंट करने के लिए। उन्होंने बार्सिलोना में गली अकादमी (समकालीन विदेशी कलाकारों से प्रभावित एक स्वतंत्रता-प्रेमी अकादमी, जहां उन्हें साहित्य और संगीत में भी रुचि थी) में भाग लिया। उन्होंने सिर्फ स्पर्श से पेंट करना भी सीखा, न कि दृष्टि से।

दादा काल के दौरान, फेरैट ने अपोलिनायर और पियरे रेवरडी जैसे अवंत-गार्डे अतियथार्थवादी कवियों को पढ़ना शुरू किया। वह जोसेप लोरेन्स वाई आर्टिगास से मिले, जो उनके आजीवन दोस्त बन गए और जिनके साथ उन्हें बाद के वर्षों में मिट्टी के बर्तनों की परियोजनाओं पर सहयोग करना था। जोन फौविज्म (विशेष रूप से, हेनरी मैटिस) और क्यूबिज्म से भी प्रभावित था, जो 20 वीं शताब्दी के शुरुआती वर्षों में शुरू हुआ, शुरू में पेंटिंग को अभी भी जीवन को प्राथमिकता दे रहा था।

1915 से 1918 तक उन्होंने नग्नता, फिर चित्र और परिदृश्य चित्रित किए। और फिर उन्होंने प्रकृति में उनके अस्तित्व की परवाह किए बिना रूपों को ज्यामितीय बनाना और रंगों का उपयोग करना शुरू कर दिया (जैसे फाउव्स, जो चमकीले रंगों का इस्तेमाल करते थे जो प्रकृति में दिखाई नहीं देते हैं)। उन्होंने तनाव या आंदोलन में लोगों और जानवरों को दर्शाने वाले संकेतों और प्रतीकों की तलाश भी शुरू की। अपनी युवावस्था में, वह पॉल सेज़ेन, मानेट, क्लाउड मोनेट और विन्सेंट वैन गॉग से सबसे अधिक प्रभावित थे। बार्सिलोना में डलमऊ गैलरी विदेशी आगंतुकों के लिए एक सभा स्थल था। यहीं पर जोन की मुलाकात दादावादी चित्रकार फ्रांसिस पिकाबिया से हुई थी।

अपने पूरे जीवन में वह अपनी कैटलन विरासत से प्रभावित थे, जैसे कि सजाए गए कैटलन सिरेमिक और कैटलन भित्तिचित्र, जिन्हें 1920 के दशक में बहाल किया गया था और फ्लैट लोक-शैली के पैटर्न के साथ चित्रित किया गया था। समय के साथ, वह अतियथार्थवाद की ओर बढ़ने लगा।

मिरो ने अपने काम को असली प्रदर्शनियों में प्रदर्शित किया है, और विशेष रूप से अतियथार्थवादी कवियों से प्रभावित थे, जिन्होंने अवचेतन में प्रवेश करने की अपनी खोज में, कविता लिखने के लिए उत्तम लाश जैसे खेल खेले।उत्तम लाश (परिणाम) एक ऐसी तकनीक है जिसके द्वारा कवियों के एक समूह को एक शब्दावली दी जाती है, जिनमें से प्रत्येक ने यादृच्छिक रूप से एक शब्द का चयन किया। जो भी शब्द दिखाई दिए, वे एक कविता में पंक्तिबद्ध हो गए। इस प्रकार अभिव्यक्ति "उत्तम लाश" बनाई गई थी। उन्होंने मानसिक स्वचालितता (उदाहरण के लिए, मुक्त संघ) और "व्यवस्थित भावना विकार" की तकनीकों का भी उपयोग किया।

नतीजतन, जोन और अन्य कलाकारों ने अपने सपनों और दृश्य मुक्त संघों का उपयोग करके इन तकनीकों को अपने दृश्य वातावरण में स्थानांतरित करने का एक तरीका विकसित किया। उस समय, फेरैट ने अपने सपनों से लगभग सौ चित्रों को चित्रित किया और यह उनकी सबसे वास्तविक अवधि थी। उन्होंने कवियों के सहयोग से असली कविता का भी चित्रण किया।

पेरिस जाने के बाद, जोन की कला में बड़े बदलाव हुए: वह अधिक प्रतीकात्मक रूपों (उदाहरण के लिए, चित्रलिपि), ज्यामितीय आकृतियों और सामान्य लय में चले गए। उनके रूपों में बिल्लियाँ, तितलियाँ, पुतले और कैटलन किसान शामिल थे, और उनकी कल्पना में दृश्य गति थी।

बाद में उन्होंने कैटलन लोक कला और पेंटिंग से उधार ली गई आकृतियों को चित्रित करना शुरू किया, जो उन्होंने हॉलैंड में देखे गए कुछ डच अंदरूनी हिस्सों के पोस्टकार्ड पर आधारित थे, जैसे कि जेन स्टीन जैसे कलाकारों द्वारा। उन्होंने जिन छवियों के साथ काम किया, वे रूपों से भरी हुई थीं। जोन ने धीरे-धीरे रूपों को सरल बनाया और ज्यामितीय विभाजनों और रचनाओं में झुकने वाले आंदोलनों का उपयोग करके छवि को भारी रूप से काट दिया।

फिर उन्होंने अपनी रचनात्मकता का पहला चरण पूरा किया और अगले दस वर्षों में अपने काम पर सवाल उठाना और पुनर्मूल्यांकन करना शुरू कर दिया, जो उनके लिए वित्तीय और कलात्मक संघर्ष थे। उन्होंने सामग्री के साथ प्रयोग करना शुरू किया - उन्होंने घर के बर्तन, कार, साथ ही असली नाखून, रस्सियों आदि जैसी सामान्य वस्तुओं की छवियों का उपयोग करके पेपर कोलाज और कोलाज बनाए। प्रयोग की इस अवधि ने उन्हें किसी भी पारंपरिक प्रथाओं को दूर करने और छुटकारा पाने में मदद की परिचित विवरण और काम पर एक तकनीशियन।

उन वस्तुओं का उपयोग करके जिनका कोई अर्थ नहीं है, कलाकार संबंधित अर्थों या भावनाओं के बजाय वस्तुओं के अमूर्त गुणों पर ध्यान केंद्रित कर सकते हैं, जो अधिक औपचारिक स्वतंत्रता की अनुमति देता है। ये तटस्थ वस्तुएं, जिनका कोई विशेष सौंदर्य मूल्य या महत्व नहीं है, विषय से ध्यान हटाती हैं और इसे छवि के रूप और सामग्री की ओर निर्देशित करती हैं। ऐसे कोलाज बनाने के बाद, मिरो ने कोलाज की छवि को कैनवास पर स्थानांतरित कर दिया।

हालांकि मिरो को अक्सर एक अमूर्त कलाकार के रूप में वर्णित किया जाता है, वह खुद मानते थे कि ऐसा नहीं था - उन्होंने इसे अपने काम को अमूर्त कहने का अपमान भी माना, क्योंकि उन्होंने तर्क दिया कि उनकी छवियों में हर रूप बाहरी दुनिया में कुछ पर आधारित है, बस उनकी विशिष्ट बायोमॉर्फिक आकृतियों और घुमावदार रेखाओं में सरलीकृत।

स्पैनिश गृहयुद्ध के दौरान, फ्रेंको के फासीवादी सैनिकों द्वारा किए गए कई अत्याचार थे, जैसा कि पिकासो ने अपनी प्रसिद्ध ग्वेर्निका में दर्शाया है। इस तथ्य के बावजूद कि मिरो एक राजनीतिक कलाकार नहीं थे, इस समय उनके रूप विकृति और आकर्षक रंग के साथ एक निश्चित क्रूरता को दर्शाते हैं। उन्होंने पेरिस की प्रदर्शनी "द रीपर" में स्पेनिश मंडप के लिए एक फ्रेस्को बनाया।

४०-४१ में उन्होंने बाईस नक्षत्रों की अपनी प्रसिद्ध श्रृंखला शुरू की, जिसमें सफेद पृष्ठभूमि पर सितारों का प्रतिनिधित्व करने वाले काले बिंदु शामिल थे, कागज पर गौचे और पतला तेल का उपयोग करते हुए। द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान, कलाकार स्पेन में रहा और उसका काम रात, संगीत और सितारों से प्रभावित होने लगा। उनके रूप और भी अधिक सारगर्भित हो गए, और उन्होंने अपने काम में कई तकनीकों का इस्तेमाल किया, उदाहरण के लिए, जब रेखाएं प्रतिच्छेद करती हैं, तो मुख्य रंग का एक स्पलैश होता है, जब लाल और काले ओवरलैप होते हैं, तो पीला दिखाई देता है।

कुछ साल बाद, वह पेंटिंग में लौट आए, अब उनकी छवियों में सुलेख गुण जोड़ते हैं, और 44 तक उन्होंने न्यूयॉर्क में आधुनिक कला संग्रहालय में अपनी पूर्वव्यापी प्रदर्शनी और अंतर्राष्ट्रीय अतियथार्थवादी प्रदर्शनी में अपनी उपस्थिति के माध्यम से अंतरराष्ट्रीय ख्याति प्राप्त करना शुरू कर दिया। पेरिस, मार्सेल डुचैम्प और आंद्रे ब्रेटन द्वारा आयोजित।

प्रदर्शनियों के बाद, उन्हें ओहियो के सिनसिनाटी में एक होटल के लिए एक भित्ति चित्र बनाने के लिए आमंत्रित किया गया था। और फिर उन्होंने हार्वर्ड में ग्रेजुएट स्कूल के लिए एक और भित्ति चित्र बनाया।40 के दशक के दौरान, उन्होंने कुछ "छड़ी के आंकड़े" भी चित्रित किए, और 50 के दशक में, उनकी छवियों में ऐसी आकृतियाँ थीं जो लगभग आदिम चित्रलेखों की तरह थीं। उन्होंने मिट्टी के बर्तनों को चित्रित किया और मिट्टी की छोटी मूर्तियों जैसे उर्वरता की आदिम देवी, और पक्षियों और सिर के साथ साधारण फूलदानों को उकेरा। उनकी शैली और तकनीकें लगातार बदल रही थीं, जिससे उनके काम में नए और अधिक दिलचस्प स्ट्रोक और दिशाएँ आ रही थीं।

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