शानदार कलाकारों की 9 उत्कृष्ट कृतियाँ जिन्होंने महान फैशन डिजाइनरों को प्रेरित किया और अद्वितीय संग्रह बनाए

2024 लेखक: Richard Flannagan | [email protected]. अंतिम बार संशोधित: 2023-12-16 00:06

पूरे इतिहास में, फैशन और कला एक महान संयोजन बनाने के लिए साथ-साथ चले हैं। कई फैशन डिजाइनरों ने अपने संग्रह के लिए कलात्मक आंदोलनों से विचारों को उधार लिया है, जिसने फैशन को एक कला रूप के रूप में व्याख्या करने की अनुमति दी है जो मुख्य रूप से विचारों और दर्शन को व्यक्त करने का कार्य करता है। इससे प्रभावित होकर, कुछ अंतरराष्ट्रीय स्तर पर प्रसिद्ध फैशन डिजाइनरों ने 20 वीं शताब्दी के कलात्मक आंदोलनों के आधार पर उत्कृष्ट संग्रह बनाए हैं।

1. मेडेलीन विओने

1876 में उत्तर-मध्य फ़्रांस में जन्मी, मैडम मेडेलीन विओन को "शैली की देवी और सिलाई की रानी" के रूप में जाना जाता था। रोम में अपने प्रवास के दौरान, वह ग्रीक और रोमन सभ्यताओं की कला और संस्कृति से प्रभावित थी, और प्राचीन देवी-देवताओं और मूर्तियों से प्रेरित थी। कला के इन कार्यों के आधार पर, उन्होंने महिला शरीर को एक नया आयाम देने के लिए अपनी शैली के सौंदर्यशास्त्र और ग्रीक मूर्तिकला और वास्तुकला के संयुक्त तत्वों को आकार दिया। ड्रेपिंग और तिरछी पोशाक में अपने कौशल के साथ, मेडेलीन ने आधुनिक फैशन में क्रांति ला दी। वह अक्सर अपने कला संग्रहों के लिए द विंग्ड विक्ट्री ऑफ समोथ्रेस जैसी कला के कार्यों से परामर्श लेती थीं।

हेलेनिस्टिक कला की उत्कृष्ट कृति और वियन के संग्रह के बीच समानताएं हड़ताली हैं। ग्रीक चिटोन की शैली में कपड़े की गहरी ड्रेपिंग से आकृति के नीचे बहने वाली प्रकाश की ऊर्ध्वाधर धारियाँ बनती हैं। मूर्तिकला जीत की ग्रीक देवी नाइके को श्रद्धांजलि में बनाया गया था, और आंदोलन के यथार्थवादी चित्रण के लिए प्रशंसा की जाती है। वियोनेट डिज़ाइन का बहता हुआ ड्रेप बिल्विंग फैब्रिक के मूवमेंट की याद दिलाता है जो नाइके के शरीर का पालन करता है। कपड़े एक शरीर की तरह आत्मा के साथ जीवित प्राणियों की तरह हो सकते हैं। समोथ्रेस की विंग्ड विक्ट्री की तरह, मेडेलीन ने ऐसे कपड़े बनाए जो गहरे छिपे हुए मानवीय सार को जगाते हैं। शास्त्रीयतावाद, दोनों एक सौंदर्य दर्शन और एक डिजाइन दर्शन, ने वियोन को ज्यामितीय सद्भाव में अपनी दृष्टि व्यक्त करने का अवसर दिया।

वह क्यूबिज़्म जैसे समकालीन कला आंदोलनों से भी प्रभावित थीं। मेडेलीन ने अपनी रचनाओं में ज्यामितीय आकृतियों को शामिल करना शुरू किया और उन्हें काटने का एक और तरीका अपनाया जिसे बेवल कटिंग कहा जाता है। बेशक, वियन ने कभी भी तिरछी कटौती का आविष्कार करने का दावा नहीं किया, लेकिन केवल इसके उपयोग का विस्तार किया। बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में महिलाओं ने अपने अधिकारों के लिए संघर्ष में काफी प्रगति की, मेडेलीन ने महिलाओं के रोजमर्रा के पहनने से लंबे समय तक चलने वाले विक्टोरियन कॉर्सेट को खत्म करके अपनी आजादी का बचाव किया। इसलिए, वह बस्टियर की बाधा से महिलाओं की मुक्ति का प्रतीक बन गई और इसके बजाय नए, हल्के कपड़े जारी किए जो सचमुच महिलाओं के शरीर पर बहते थे।

2. पियरपोलो पिक्सीओली

Pierpaolo Piccioli वैलेंटिनो के मुख्य डिजाइनर हैं और मध्य युग के धार्मिक कार्यों से बहुत आकर्षित हैं। उनके लिए प्रेरणा का प्रारंभिक बिंदु मध्य युग से उत्तरी पुनर्जागरण तक का संक्रमणकालीन क्षण है। उन्होंने ज़ांड्रा रोड्स के साथ सहयोग किया और साथ में उन्होंने स्प्रिंग 2017 में एक प्रेरणादायक संग्रह विकसित किया। Piccioli 70 के दशक के उत्तरार्ध की गुंडा संस्कृति को मानवतावाद और मध्ययुगीन कला से जोड़ना चाहता था, इसलिए वह अपनी जड़ों और पुनर्जागरण की ओर लौट आया, हिरोनिमस बॉश की पेंटिंग द गार्डन ऑफ अर्थली डिलाइट्स में प्रेरणा पाकर।

प्रसिद्ध डच चित्रकार १६वीं शताब्दी में उत्तरी पुनर्जागरण के सबसे प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक थे।"गार्डन ऑफ़ अर्थली डिलाइट्स" में, जिसे बॉश ने सुधार से पहले चित्रित किया था, कलाकार स्वर्ग और मानव जाति के निर्माण को चित्रित करना चाहता था, आदम और हव्वा का पहला प्रलोभन, साथ ही नर्क, पापियों की आशंका। मध्य फलक में, लोग आनंद की दुनिया में अपनी भूख को संतुष्ट करते दिख रहे हैं। बॉश की प्रतिमा अपनी मौलिकता और कामुकता के लिए बाहर खड़ी है। पूरी तस्वीर की व्याख्या पाप के रूपक के रूप में की गई है।

फैशन की दुनिया में, पेंटिंग ने लोकप्रियता हासिल की क्योंकि विभिन्न फैशन डिजाइनर इसके उद्देश्यों से मोहित थे। युगों और सौंदर्यशास्त्र का सम्मिश्रण करते हुए, पिक्सीओली ने बॉश के प्रतीकों को उड़ने वाले कपड़े के साथ पुनर्व्याख्या की, जबकि रोड्स ने मूल कलाकृति के समान रोमांटिक प्रिंट और कढ़ाई वाले पैटर्न बनाए। रंग निश्चित रूप से उस संदेश का हिस्सा थे जिसे डिजाइनर देना चाहते थे। इस प्रकार, फ्लाइंग ड्रीमी ड्रेसेस का संग्रह सेब के हरे, हल्के गुलाबी और नीले रॉबिन अंडे के उत्तरी रंग पैलेट पर आधारित है।

3. डोल्से और गब्बाना

पीटर पॉल रूबेन्स ने महिलाओं को प्यार, सीखने और परिश्रम के साथ चित्रित किया। उन्होंने अपने "शुक्र को दर्पण के सामने" सुंदरता के सर्वोच्च प्रतीक के रूप में प्रस्तुत किया। पीटर ने विशेष रूप से उसके हल्के चेहरे और सुनहरे बालों को चित्रित किया, जो गहरे रंग की नौकरानी के विपरीत है। दर्पण सुंदरता का एक पूर्ण प्रतीक है, जो एक महिला को एक चित्र की तरह फ्रेम करता है, और साथ ही साथ आकृति की नग्नता पर सूक्ष्मता से जोर देता है। कामदेव देवी के लिए जो दर्पण रखते हैं, वह कामुक आकर्षण और इच्छा के प्रतिनिधित्व के रूप में शुक्र के प्रतिबिंब को दर्शाता है। रूबेन्स, जो बारोक कला के संस्थापकों में से एक थे, और "रंगों पर रंग" की उनकी अवधारणा ने डोल्से और गब्बाना सहित कई फैशन डिजाइनरों को प्रभावित किया। बैरोक शैली पुनर्जागरण की भावना से विचलित हो गई, शांति और चिकनाई को त्याग दिया और इसके बजाय लालित्य, उत्साह और आंदोलन की मांग की।

फैशन डिजाइनर डोमेनिको डोल्से और स्टेफानो गब्बाना एक ऐसा अभियान बनाना चाहते थे जो महिला सौंदर्य के कामुक और साथ ही रोमांटिक पक्ष का जश्न मनाए। पीटर पॉल रूबेन्स प्रेरणा के सबसे उपयुक्त स्रोत थे। पंथ जोड़ी की रचनाएँ फ्लेमिश कलाकार की कला के साथ बहुत मेल खाती थीं। इस संग्रह में, मॉडलों ने बड़े बड़प्पन के साथ पोज़ दिया, ऐसा लग रहा था जैसे उन्होंने रूबेन्स के चित्रों में से एक को हटा दिया हो। सजावट को बारोक दर्पण और कढ़ाई के विवरण के समान डिजाइन किया गया था। ब्रोकेड गुलाबी पोशाक द्वारा आकृतियों की सुंदरता और पेस्टल रंग पैलेट पर खूबसूरती से जोर दिया गया था। विभिन्न प्रकार के मॉडलों को शामिल करने के लिए फैशन डिजाइनरों की पसंद ने उस युग के शरीर के प्रकार में और योगदान दिया। डोल्से और गब्बाना ने जिन घुमावदार रेखाओं का इस्तेमाल किया, वे फैशन उद्योग में विभिन्न प्रकार के शरीर के भेदभाव के खिलाफ थीं।

डोल्से और गब्बाना विमेंस फॉल 2012 संग्रह इतालवी बारोक वास्तुकला की कई विशेषताओं को प्रदर्शित करता है। यह संग्रह सिसिली बारोक शैली की समृद्ध रूप से सजाए गए विशेषताओं से पूरी तरह मेल खाता है। डिजाइनरों ने बारोक वास्तुकला पर ध्यान केंद्रित किया, जैसा कि सिसिली के कैथोलिक चर्चों में देखा गया है। संदर्भ बिंदु रूबेन्स की पेंटिंग "ऑस्ट्रिया के अन्ना का पोर्ट्रेट" था। उनके शाही चित्र में, ऑस्ट्रिया की अन्ना को स्पेनिश फैशन में दर्शाया गया है। अन्ना की काली पोशाक को हरे रंग की कढ़ाई और सोने के विवरण की खड़ी धारियों से सजाया गया है। फीता और ब्रोकेड जैसे शानदार वस्त्रों से बने कलात्मक रूप से डिज़ाइन किए गए कपड़े और टोपी डोल्से और गब्बाना शो की मुख्य विशेषता बन गए हैं, जिन्होंने अपनी रचनात्मकता से दुनिया को जीत लिया।

4. क्रिस्टोबल बालेंसीगा

क्रिस्टोबल बालेंसीगा को एक सच्चा गुरु कहा जा सकता है जिसने बीसवीं शताब्दी में महिलाओं के फैशन में सुधार किया। स्पेन के एक छोटे से गाँव में जन्मे, उन्होंने अपनी समकालीन परियोजनाओं में स्पेनिश कला इतिहास का सार लाया। अपने पूरे करियर के दौरान, Balenciaga स्पेनिश पुनर्जागरण से प्रभावित था।उन्होंने अक्सर स्पेनिश शाही परिवार और पादरियों के सदस्यों से प्रेरणा मांगी। फैशन डिजाइनर ने चर्च की वस्तुओं और उस युग के मठवासी वस्त्रों को पहनने योग्य फैशन मास्टरपीस में बदल दिया।

उनकी महान प्रेरणाओं में से एक तरीकेवादी एल ग्रीको थे, जिन्हें डोमिनिकोस थियोटोकोपोलोस के नाम से भी जाना जाता है। कार्डिनल एल ग्रीको फर्नांडो नीनो डी ग्वेरा को देखते हुए, आप कार्डिनल केप और बालेंसीगा के डिजाइन के बीच समानताएं देख सकते हैं। पेंटिंग में टोलेडो में एल ग्रीको के समय के स्पेनिश कार्डिनल फर्नांडो नीनो डी ग्वेरा को दर्शाया गया है। एल ग्रीको के विचारों को इतालवी पुनर्जागरण के नियोप्लाटोनिज्म से उधार लिया गया था, और इस चित्र में वह कार्डिनल को भगवान की कृपा के प्रतीक के रूप में प्रस्तुत करता है। व्यवहारवाद पूरी तस्वीर में मौजूद है। यह एक छोटे से सिर, सुंदर लेकिन विचित्र अंगों, तीव्र रंगों और शास्त्रीय उपायों और अनुपात की अस्वीकृति के साथ एक लम्बी आकृति में ध्यान देने योग्य है।

ऐतिहासिक कपड़ों के लिए Balenciaga का जुनून उनके 1954 के संग्रह से इस असाधारण शाम के कोट में स्पष्ट है। उनके पास आधुनिक फैशन में आकृतियों का आविष्कार करने की दृष्टि और क्षमता थी। इस कोट का अतिरंजित कॉलर कार्डिनल केप की बैगी शैली को गूँजता है। कार्डिनल के कपड़ों का लाल रंग रक्त और विश्वास के लिए मरने की उसकी इच्छा का प्रतीक है। प्रसिद्ध डिजाइनर द्वारा जीवंत लाल को असाधारण माना जाता था, क्योंकि वह अक्सर बोल्ड रंग संयोजन और जीवंत रंग पसंद करते थे। उनका महान नवाचार कमर की रेखा का उन्मूलन और बहने वाली रेखाओं, साधारण कटौती और तीन-चौथाई आस्तीन का परिचय था। ऐसा करके Balenciaga ने महिलाओं के फैशन में क्रांति ला दी।

डिजाइनर ने ब्रेसलेट-लंबाई वाली आस्तीन भी पेश की, जिससे महिलाओं को अपने गहने प्रदर्शित करने की अनुमति मिली। 1960 के दशक में, कार्य उद्योग में महिलाओं के क्रमिक परिचय के साथ, Balenciaga के पास अपने कपड़े पहने महिलाओं को आराम, स्वतंत्रता और कार्यक्षमता देने का विचार था। उन्होंने ढीले, आरामदायक कपड़े को बढ़ावा दिया जो दिन के फॉर्म-फिटिंग सिल्हूट के विपरीत थे।

5. अलेक्जेंडर मैक्वीन

ऑस्ट्रियाई कलाकार, प्रतीकात्मकता के मास्टर और विनीज़ अलगाव आंदोलन के संस्थापक, गुस्ताव क्लिम्ट ने 20 वीं शताब्दी की कला के इतिहास की नींव रखी। उनके चित्रों और कलात्मक सौंदर्यशास्त्र ने लंबे समय से फैशन डिजाइनरों को प्रेरित किया है। एक्विलानो रिमोंडी, ल'रेने स्कॉट और क्रिश्चियन डायर जैसे अन्य, डिजाइनर जिन्होंने सीधे क्लिम्ट को संदर्भित किया, वे अलेक्जेंडर मैक्वीन थे। रिज़ॉर्ट स्प्रिंग / समर 2013 संग्रह में, उन्होंने अद्वितीय टुकड़े तैयार किए हैं जो कलाकार के काम से प्रेरित प्रतीत होते हैं। शीर्ष पर दोहराए गए सोने के पैटर्न के साथ बहती हुई काली पोशाक को देखना - एक विशिष्ट तस्वीर दिमाग में आ सकती है। मैक्क्वीन ने कांस्य और सोने के स्वरों में अमूर्त, ज्यामितीय और मोज़ेक डिजाइनों का उपयोग किया है, उन्हें अपने डिजाइनों में शामिल किया है।

1905 में, गुस्ताव क्लिंट ने पेंटिंग "द एम्ब्रेस" को चित्रित किया, जिसमें एक जोड़े को एक कोमल आलिंगन में पकड़ा गया, जो प्यार का प्रतीक बन गया। ऑस्ट्रियाई कलाकार अपने सोने के चित्रों के साथ-साथ इन कार्यों में मौजूद अमूर्तता और रंग के सही संयोजन के लिए जाने जाते हैं। सभी मोज़ाइक में बहुरूपदर्शक या प्राकृतिक अलंकरण के साथ समृद्ध सुनहरे स्वर हैं जिनका फैशन पर बहुत प्रभाव पड़ा है। दो प्रेमियों के कपड़ों के बीच विषम ज्यामितीय आकृतियों के कारण यह पेंटिंग हड़ताली है। पुरुषों के कपड़ों में काले, सफेद और भूरे रंग के वर्ग होते हैं, जबकि महिलाओं की पोशाक अंडाकार हलकों और पुष्प रूपांकनों से सजायी जाती है। इस प्रकार, क्लिम्ट मर्दानगी और स्त्रीत्व के बीच के अंतर को कुशलता से दिखाता है। सिकंदर ने अपने कपड़ों के लिए कुछ ऐसा ही अपनाया।

6. क्रिश्चियन डायर

प्रभाववाद के संस्थापक और कला इतिहास के सबसे महान फ्रांसीसी चित्रकारों में से एक, क्लाउड मोनेट ने एक महान कलात्मक विरासत को पीछे छोड़ दिया। प्रेरणा के लिए गिवरनी में अपने घर और बगीचे का उपयोग करते हुए, मोनेट ने अपने चित्रों में प्राकृतिक परिदृश्य पर कब्जा कर लिया।विशेष रूप से, पेंटिंग "द आर्टिस्ट्स गार्डन एट गिवरनी" में वह अपनी आवश्यकताओं के अनुसार प्राकृतिक परिदृश्य में हेरफेर करने में कामयाब रहे। फूलों के जीवंत रंग के खिलाफ भूरे रंग के गंदगी ट्रैक के विपरीत दृश्य को पूरा करता है। प्रसिद्ध प्रभाववादी ने अक्सर चमकीले सूरज के प्रभाव को पैदा करने के लिए अपने बैंगनी रंग के कारण आईरिस फूल को चुना। यह चित्र जीवन से भरपूर है क्योंकि फूल खिलते हैं और वसंत को गले लगाते हुए अभिवादन करते हैं। गुलाब और बकाइन की पंखुड़ियां, आईरिस और चमेली सफेद कैनवास पर चित्रित एक रंगीन स्वर्ग का हिस्सा हैं।

उसी तरह, फ्रांसीसी फैशन के अग्रणी क्रिश्चियन डायर ने फैशन की दुनिया पर एक बड़ी छाप छोड़ी जो आज भी महसूस की जाती है। 1949 में उन्होंने बसंत/गर्मी के मौसम के लिए हाउते कॉउचर संग्रह तैयार किया। इस प्रदर्शनी का एक मुख्य आकर्षण प्रतिष्ठित डायर पोशाक थी, जो गुलाबी और बैंगनी रंग के विभिन्न रंगों में फूलों की पंखुड़ियों से पूरी तरह से कढ़ाई की गई थी। डायर ने कला और फैशन की दो दुनियाओं को पूरी तरह से चित्रित किया और इस कार्यात्मक पोशाक में मोनेट के सौंदर्य का अनुकरण किया। उन्होंने ग्रामीण इलाकों में बहुत समय बिताया, अपने संग्रह को ग्रानविले में अपने बगीचे में चित्रित किया, जैसा कि मोनेट ने किया था। इस प्रकार, उन्होंने मोनेट के रंग पैलेट और पुष्प पैटर्न को अपनी रचनाओं में शामिल करके सुरुचिपूर्ण डायर शैली को परिभाषित किया।

7. यवेस सेंट लॉरेंट

मोंड्रियन 20वीं सदी में अमूर्त कला की रचना करने वाले पहले कलाकारों में से एक थे। 1872 में नीदरलैंड में जन्मे, उन्होंने डी स्टिजल नामक एक संपूर्ण कला आंदोलन की स्थापना की। आंदोलन का लक्ष्य समकालीन कला और जीवन को एकजुट करना था। यह शैली, जिसे नियोप्लास्टिकवाद के रूप में भी जाना जाता है, अमूर्त कला का एक रूप था जिसमें केवल ज्यामितीय सिद्धांतों और प्राथमिक रंगों जैसे लाल, नीले और पीले रंग के उपयोग को न्यूट्रल (काले, भूरे और सफेद) के साथ जोड़ा गया था। 1900 के दशक की शुरुआत में पीट की अभिनव शैली ने फैशन डिजाइनरों को इस शुद्ध प्रकार की अमूर्त कला को पुन: पेश करने के लिए मजबूर किया। पेंटिंग की इस शैली का सबसे अच्छा उदाहरण लाल, नीले और पीले रंगों के साथ संयोजन है।

एक कला प्रेमी, फ्रांसीसी फैशन डिजाइनर यवेस सेंट लॉरेंट ने मोंड्रियन के चित्रों को अपने हाउते कॉउचर कृतियों में शामिल किया। वह पहली बार पीट के काम से प्रेरित हुए जब उन्होंने कलाकार के जीवन के बारे में एक किताब पढ़ी जो उनकी मां ने उन्हें क्रिसमस के लिए दी थी। डिजाइनर ने अपने 1965 के पतन संग्रह में कलाकार की सराहना की, जिसे मोंड्रियन संग्रह के रूप में जाना जाता है। कलाकार की ज्यामितीय रेखाओं और बोल्ड रंगों से प्रेरित होकर, उन्होंने छह कॉकटेल पोशाकें प्रस्तुत कीं, जो उनकी प्रतिष्ठित शैली और सामान्य रूप से साठ के दशक का जश्न मनाती थीं। मोंड्रियन के प्रत्येक कपड़े थोड़े अलग थे, लेकिन वे सभी एक साधारण ए-लाइन आकार और एक बिना आस्तीन के घुटने की लंबाई साझा करते थे जो हर शरीर के प्रकार के लिए एकदम सही था।

8. एल्सा शियापरेलि

1890 में रोम के एक कुलीन परिवार में जन्मीं एल्सा शिआपरेली ने जल्द ही फैशन की दुनिया के लिए अपने प्यार का इजहार किया। उन्होंने भविष्यवाद, दादा और अतियथार्थवाद से प्रेरित होकर अपनी क्रांतिकारी शैली विकसित करना शुरू किया। जैसे-जैसे उसका करियर आगे बढ़ा, उसने सल्वाडोर डाली, मैन रे, मार्सेल डुचैम्प और जीन कोक्ट्यू जैसे प्रसिद्ध अतियथार्थवादियों और दादावादियों के साथ बातचीत की। उन्होंने स्पेनिश कलाकार सल्वाडोर डाली के साथ भी सहयोग किया।

फैशन के इतिहास में सबसे महान सहयोगों में से एक दली और एल्सा शिआपरेली के बीच सहयोग था। यह पोशाक साल्वाडोर डाली के साथ 1938 की गर्मियों में शिआपरेली के सर्कस संग्रह के हिस्से के रूप में बनाई गई थी। पोशाक डाली द्वारा पेंटिंग को संदर्भित करती है, जिसमें उन्होंने विकृत शरीर के अनुपात वाली महिलाओं को चित्रित किया है।

अतियथार्थवादी कलाकारों के लिए, आदर्श महिला की खोज विफल रही, क्योंकि आदर्श केवल उनकी कल्पना में मौजूद था, वास्तविकता में नहीं। हालांकि, डाली का इरादा महिलाओं को वास्तविक रूप से चित्रित करने का नहीं था, इसलिए उनके शरीर बिल्कुल भी सौंदर्यपूर्ण नहीं हैं। शिआपरेली शरीर को छिपाने और प्रकट करने के इस खेल के साथ प्रयोग करना चाहते थे, जिससे भेद्यता और असुरक्षा का भ्रम पैदा हुआ। आंसुओं के भ्रम वाला गाउन हल्के नीले रेशम के क्रेप से बनाया गया था, जो सल्वाडोर और उसकी आय से अधिक महिलाओं को श्रद्धांजलि देता था।

9. गियानी वर्साचे

पॉप कला का युग शायद कला इतिहास में फैशन डिजाइनरों और कलाकारों के लिए सबसे प्रभावशाली अवधि थी। एंडी वारहोल ने पॉप संस्कृति और उच्च फैशन के मिश्रण का बीड़ा उठाया, जिससे वह पॉप कला आंदोलन का एक प्रतिष्ठित प्रतीक बन गया। साठ के दशक में, वारहोल ने अपनी सिग्नेचर तकनीक का अभ्यास करना शुरू किया जिसे सिल्क स्क्रीन प्रिंटिंग के रूप में जाना जाता है।

उनकी सबसे शुरुआती और निस्संदेह उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक मर्लिन डिप्टिच थी। इस टुकड़े के लिए, उन्होंने न केवल पॉप संस्कृति से, बल्कि कला इतिहास और अमूर्त अभिव्यक्तिवादी कलाकारों से भी प्रेरणा ली। एंडी ने मर्लिन मुनरो की दो दुनियाओं, एक हॉलीवुड स्टार के सामाजिक जीवन और अवसाद और लत से जूझने वाली महिला नोर्मा जीन की दुखद वास्तविकता पर कब्जा कर लिया। डिप्टीच बाईं ओर के कंपन को तेज करता है, जबकि दाईं ओर यह अंधेरे और अस्पष्टता में गायब हो जाता है। एक उपभोक्ता समाज और भौतिकवाद का प्रतिनिधित्व करने के प्रयास में, उन्होंने लोगों के बजाय व्यक्तियों को उत्पादों के रूप में चित्रित किया।

इतालवी डिजाइनर गियानी वर्साचे की एंडी वारहोल के साथ लंबे समय से दोस्ती थी। दोनों पुरुष लोकप्रिय संस्कृति से मोहित थे। वारहोल को सम्मानित करने के लिए, वर्साचे ने अपना 1991 का स्प्रिंग/समर संग्रह उन्हें समर्पित किया। उनमें से एक पोशाक में मर्लिन मुनरो के साथ वारहोल प्रिंट थे। उन्होंने 1960 के दशक से मर्लिन और जेम्स डीन के जीवंत रेशम चित्रों को स्कर्ट और मैक्सी ड्रेस में शामिल किया।

और फैशन, सौंदर्य और असाधारण विचारों के विषय की निरंतरता में, यह भी पढ़ें कि कैसे आधुनिक कलाकारों ने मेकअप को कला के वास्तविक काम में बदल दिया है.