बीसवीं सदी की एक नई शैली को आकार देते हुए प्रसिद्ध कलाकारों की पेंटिंग कैसे फैशन का हिस्सा बन गईं?

2024 लेखक: Richard Flannagan | [email protected]. अंतिम बार संशोधित: 2023-12-16 00:06

कला और फैशन के बीच संबंध इतिहास के विशिष्ट क्षणों को परिभाषित करते हैं। ये दोनों माध्यम गर्जन वाले बिसवां दशा से जीवंत अस्सी के दशक तक सामाजिक, आर्थिक और राजनीतिक परिवर्तनों को दर्शाते हैं। यहां कलाकारों और फैशन डिजाइनरों के चार उदाहरण दिए गए हैं, जिन्होंने अपने काम के माध्यम से 20वीं सदी की कला और फैशन पर एक नए दृष्टिकोण को आकार देने में मदद की।

1. हेलस्टन और वारहोल: फैशन ब्रदरहुड

रॉय हैल्स्टन और एंडी वारहोल की दोस्ती ने कलात्मक दुनिया को परिभाषित किया। रॉय और एंडी दोनों ऐसे नेता थे जिन्होंने कलाकार/डिजाइनर को एक सेलिब्रिटी बनाने का मार्ग प्रशस्त किया। उन्होंने कला जगत के दिखावटी कलंक को दूर किया और फैशन और स्टाइल को जन-जन तक पहुंचाया। वारहोल ने छवियों को बनाने के लिए कई बार सिल्क-स्क्रीन प्रिंटिंग का इस्तेमाल किया। हालाँकि उन्होंने निश्चित रूप से इस प्रक्रिया का आविष्कार नहीं किया था, लेकिन उन्होंने बड़े पैमाने पर उत्पादन के विचार में क्रांति ला दी।

रॉय ने ऐसे कपड़े और पैटर्न का इस्तेमाल किया जो सरल और सुरुचिपूर्ण थे फिर भी उनके सेक्विन, अल्ट्रा और रेशम के उपयोग के साथ ग्लैमरस थे। वह अमेरिकी फैशन को सुलभ और वांछनीय बनाने वाले पहले लोगों में से एक थे। दोनों ने 1960, 70 और 80 के दशक में कला और शैली पर अपनी अंतिम छाप छोड़ी, जो आज भी जारी है।

रॉय और एंडी दोनों ने कई अलग-अलग प्रोजेक्ट्स पर एक साथ काम किया है। वॉरहोल ने ऐसे विज्ञापन अभियान बनाए जिनमें हैल्स्टन के कपड़े और यहां तक कि खुद हैल्स्टन भी शामिल थे। बदले में, Halston ने अपने कुछ कपड़ों के संग्रह में, शाम के गाउन से लेकर अवकाश सेट तक, वारहोल पुष्प प्रिंट का उपयोग किया।

रॉय ने अपने कपड़ों में साधारण पैटर्न का इस्तेमाल किया, जिससे वे बहुत सफल हुए। वे पहनने में सहज थे, लेकिन कपड़े, रंग और प्रिंट के लिए विलासिता का स्पर्श भी था। वारहोल ने भी अपनी सामग्री और प्रक्रिया को सरल बनाया। इससे उनके काम को पुन: पेश करना आसान हो गया और उन्हें अधिक बिक्री योग्य बना दिया गया।

दोनों कलाकारों के लिए व्यावसायिक सफलता की अपनी चुनौतियाँ हैं। हेलस्टन 1982 में खुदरा श्रृंखला जेसीपीने के साथ भागीदारी करने वाले पहले व्यक्ति थे और इससे उनके ब्रांड की गुणवत्ता प्रभावित हुई है। वारहोल को भी आलोचना का सामना करना पड़ा, क्योंकि उनके काम को सतही माना जाता था। हालांकि, दोनों ने बड़े पैमाने पर बाजार में बिक्री के लिए ब्रांड बनाने के लिए अपने-अपने स्थानों में अपने खुदरा और विपणन उपयोग का आधुनिकीकरण किया है।

रॉय और एंडी स्टूडियो 54 में अक्सर आते थे। उन्होंने लीज़ा मिनेल्ली, बियांका जैगर और एलिजाबेथ टेलर जैसी मशहूर हस्तियों के लिए पार्टियों, डिजाइन और निर्माण कार्यों को फेंक दिया। यह सब उनके काम में परिलक्षित होता है क्योंकि उन्होंने 1970 के दशक के डिस्को युग को प्रेरित और परिभाषित किया था।

हैल्स्टन को शाम के शानदार परिधान बनाने के लिए जाना जाता था। रॉय ने सेक्विन को कपड़े पर क्षैतिज रूप से रखा, जिससे उस सामग्री का एक झिलमिलाता प्रभाव पैदा हुआ, जिसका उपयोग उन्होंने कई ग्लैमरस महिलाओं द्वारा पसंद किए गए शानदार पोशाक बनाने के लिए किया था।

वारहोल डायमंड डस्ट शू सीरीज स्टूडियो 54 की नाइटलाइफ़ और वहां रहने वाली मशहूर हस्तियों को भी दर्शाती है। हीरे की धूल वह है जो उसने स्टैंसिल या पेंटिंग पर इस्तेमाल की, जिससे टुकड़े के लिए गहराई का एक अतिरिक्त तत्व बन गया। और उनके जूते मूल रूप से हैल्स्टन के विज्ञापन अभियान का विचार थे। बहरहाल, इन दोनों ने अपने पीछे एक अमिट छाप छोड़ते हुए फैशन में बहुत बड़ा योगदान दिया। दरअसल, आज भी कई आधुनिक डिजाइनर एंडी और रॉय के विचारों से प्रेरित हैं, जो अतीत की गूँज के साथ शानदार संग्रह बनाते हैं।

2. सोनिया डेलाउने: जब कला फैशन बन जाती है

सोनिया डेलाउने ने न केवल क्यूबिज़्म के एक नए रूप में क्रांति ला दी, बल्कि कला और फैशन के बीच संबंध भी पेश किया।Delaunay और उनके पति दोनों Orphism के अग्रदूत थे और कला में अमूर्तता के विभिन्न रूपों के साथ प्रयोग करते थे। वह अपनी तरह की पहली थीं जिन्होंने अपनी कलात्मक शैली का उपयोग किया और अपने मूल वस्त्र डिजाइन, प्रिंट या पैटर्न का उपयोग करके फैशन की दुनिया में कदम रखा। उन्हें अपने फैशन से ज्यादा अपनी कला और पति के साथ जुड़ाव के लिए याद किया जाता है। 1920 के दशक में उनकी शैली ने एक प्रमुख भूमिका निभाई थी, और उनकी कपड़ों की सूची को स्वयं कपड़ों की तुलना में उनकी कला की तस्वीरों और संदर्भों के लिए अधिक याद किया जाता है। सोन्या के लिए, कला और फैशन के बीच कोई सीमा नहीं थी और न ही थी। उसके लिए, वे एक ही हैं।

उन्होंने 1920 के दशक में अपना फैशन व्यवसाय शुरू किया, ग्राहकों के लिए कपड़े तैयार किए और निर्माताओं के लिए कपड़े डिजाइन किए। सोन्या ने अपने लेबल को एक साथ बुलाया और विभिन्न विषयों पर रंग और पैटर्न के उपयोग के साथ और भी आगे बढ़ गई। समकालिकता ने उसके काम में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, और उसकी असामान्य तकनीक पूर्वी यूरोप के एक चिथड़े रजाई या वस्त्रों की याद दिलाती थी: रंगों को एक दूसरे पर आरोपित किया गया था, और पैटर्न का उपयोग सद्भाव और लय बनाने के लिए किया गया था। उसके सामान्य विषयों में वर्ग / आयत, त्रिकोण और विकर्ण रेखाएँ या गोले शामिल हैं - ये सभी उसके विभिन्न डिजाइनों में ओवरलैप होते हैं।

एडवर्डियन युग के दौरान डेलौने एक युवा महिला थी, जब कोर्सेट और अनुरूपता आदर्श थे। यह 1920 के दशक में बदल गया जब महिलाओं ने घुटने के ऊपर स्कर्ट और ढीले, फॉर्म-फिटिंग कपड़े पहनना शुरू कर दिया। इस पहलू को डेलाउने के डिजाइनों में देखा जा सकता है और उन्हें महिलाओं की जरूरतों के अनुरूप कपड़े बनाने का शौक था। सोन्या ने स्विमवीयर विकसित किया जो महिलाओं को खेल और तैराकी के दौरान भी अधिक सहज महसूस करने की अनुमति देता है। उसने कैनवास के रूप में किसी भी सतह का उपयोग करते हुए, अपने प्रिंट को कोट, जूते, टोपी और यहां तक कि कारों पर भी रखा। उनके डिजाइनों ने रंग और आकार के माध्यम से आंदोलन और अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता पैदा की।

अपने पूरे करियर के दौरान, उन्होंने लगातार कुछ नया करने की कोशिश की, और परिणामस्वरूप, सिनेमा और थिएटर में चली गईं। सोनिया ने रेने ले सोम्पटियर की द लिटिल पेरिसियन के लिए वेशभूषा डिजाइन की, जबकि उनके पति ने फिल्म के लिए सेट किया। वह ज्यामितीय आकृतियों की शौकीन थी, चतुराई से उन्हें एक दूसरे के साथ मिलाना, विचित्र पैटर्न और टूटी हुई रेखाएँ बनाना जो उनकी पहचान बन गई हैं।

3. एल्सा शिआपरेली और सल्वाडोर डाली के बीच सहयोग

असली कला के अवांट-गार्डे को असली फैशन के नेता के साथ जोड़ा जाता है। साल्वाडोर डाली और फैशन डिजाइनर एल्सा शिआपरेली ने अपने पूरे करियर में एक-दूसरे को सहयोग और प्रेरणा दी है। उन्होंने लॉबस्टर ड्रेस, द शू हैट और द टियर ड्रेस जैसे प्रतिष्ठित लुक तैयार किए जिन्होंने कला और फैशन दोनों में दर्शकों को चौंका दिया और प्रेरित किया। डाली और शिआपरेली ने फैशन डिजाइनरों और कलाकारों के बीच भविष्य के सहयोग का मार्ग प्रशस्त किया, जो पहनने योग्य कला और फैशन के बीच की खाई को पाटता है। डाली ने अपने काम में झींगा मछलियों को एक आवर्ती विषय के रूप में इस्तेमाल किया और उनकी शारीरिक रचना में रुचि थी।

पोशाक "उमर" एल्सा और डाली का एक संयुक्त काम है, और उनके निर्माण ने न केवल इसकी शुरुआत के दिन, बल्कि बाद में भी बहुत विवाद पैदा किया। सबसे पहले, इसमें एक सरासर चोली और एक सफेद ऑर्गेना स्कर्ट है। असामान्य पोशाक ने सचमुच फैशन की दुनिया को उड़ा दिया, जिससे इस स्कोर पर बहुत विवाद हुआ। सफेद कपड़े का प्रयोग भी झींगा मछली के लाल रंग के विपरीत है। सफेद को लाल की तुलना में कुंवारी या पवित्रता का प्रतीक माना जा सकता है, जिसका अर्थ आराम, शक्ति या खतरा हो सकता है।

कंकाल एक और विषय है जो असली कला में पाया जाता है और डाली और शिआपरेली के बीच अधिक सहयोग में उपयोग किया जाता है। कंकाल की पोशाक अपनी तरह की पहली थी। एल्सा ने ट्रैपुंटो नामक एक तकनीक का इस्तेमाल किया, जहां कपड़े की दो परतों को एक साथ सिल दिया जाता है, जिससे एक रूपरेखा तैयार होती है जहां बल्लेबाजी डाली जाती है, जिससे एक बढ़ा हुआ प्रभाव पैदा होता है।यह तकनीक एक सपाट कपड़े पर एक बनावट वाली सतह बनाती है, जिससे यह भ्रम होता है कि मानव हड्डियाँ पोशाक के माध्यम से बाहर निकल रही हैं। यह एक घोटाले का कारण बना क्योंकि पोशाक एक लोचदार सामग्री से बनी थी जो त्वचा का पालन करती थी। डाली के चित्रों और रेखाचित्रों की कल्पनाओं को शिआपरेली के पहनावे की असत्य दुनिया में सन्निहित किया गया था, जो आज तक दर्शकों और डिजाइनरों दोनों पर एक अमिट छाप छोड़ती है।

4. यवेस सेंट लॉरेंट: द क्लैश ऑफ आर्ट एंड इंस्पिरेशन

अनुकरण और प्रशंसा के बीच की रेखा कहाँ है? आलोचकों, दर्शकों, कलाकारों और डिजाइनरों ने यह निर्धारित करने के लिए संघर्ष किया है कि यह रेखा कहाँ चलती है। हालाँकि, जब यवेस सेंट लॉरेंट की बात आई, तो उनके इरादे प्रेरणा के रूप में इस्तेमाल किए जाने वाले कलाकारों और चित्रों के लिए चापलूसी और प्रशंसा से ज्यादा कुछ नहीं थे। अपने विशाल पोर्टफोलियो को देखते हुए, सेंट लॉरेंट दुनिया भर की संस्कृतियों और कला से प्रेरित थे, जिसे उन्होंने सफलतापूर्वक अपने कपड़ों में शामिल किया।

हालाँकि यवेस उन कलाकारों से कभी नहीं मिले जिन्होंने उन्हें प्रेरित किया, लेकिन इसने उन्हें उनके लिए सम्मान के संकेत के रूप में कलाकृति बनाने से नहीं रोका। लॉरेंट ने मैटिस, मोंड्रियन, वैन गॉग, जॉर्जेस ब्रेक और पिकासो जैसे कलाकारों से प्रेरणा ली। वह एक कला संग्रहकर्ता था और पिकासो और मैटिस द्वारा चित्रों का संग्रह करता था, जिसे उन्होंने अपने घर में लटका दिया था।

यवेस ने कुछ कला रूपांकनों को लिया और उन्हें शानदार कपड़ों में बदल दिया जो उनके कुछ पसंदीदा कलाकारों को श्रद्धांजलि देता है। 1960 का दशक क्रांति और व्यावसायिकता का समय था, फैशन और कला का एक नया युग। सेंट लॉरेंट की परियोजनाओं को व्यावसायिक सफलता तब मिली जब उन्होंने पॉप कला और अमूर्तता से प्रेरणा लेना शुरू किया। 1965 में, उन्होंने पीट मोंड्रियन द्वारा अमूर्त चित्रों से प्रेरित छब्बीस पोशाकें बनाईं। पोशाकों ने मोंड्रियन के सरलीकृत आकृतियों और बोल्ड प्राथमिक रंगों के उपयोग को मूर्त रूप दिया। यवेस ने एक ऐसी तकनीक का इस्तेमाल किया जिसमें कपड़े की परतों के बीच कोई सीम दिखाई नहीं दे रही थी, जिससे यह आभास हुआ कि कपड़े एक पूरे टुकड़े थे। सेंट लॉरेंट ने 1920 के दशक से मोंड्रियन की कला को लिया और इसे 1960 के दशक के सापेक्ष पहनने योग्य बना दिया।

फैशन के कपड़े 1960 के दशक की शैली के उत्कृष्ट उदाहरण हैं। वे 1920 के दशक के कपड़ों के समान थे जो कम विवश थे और उनमें आस्तीन और हेमलाइन थे जो त्वचा के बड़े पैच को उजागर करते थे। सेंट लॉरेंट के चौकोर सिल्हूट ने महिलाओं को हल्का और स्वतंत्र महसूस कराया। इसने उन्हें टॉम वेसलमैन और एंडी वारहोल जैसे पॉप कला कलाकारों से भी प्रेरणा ली। उन्होंने पॉप कला से प्रेरित डिजाइनों की एक पंक्ति बनाई जिसमें उनके कपड़ों पर सिल्हूट और कटआउट शामिल थे। यह कला में अमूर्तता और डिजाइन के व्यावसायीकरण की सीमाओं पर काबू पाने के बारे में था। लॉरेंट ने इन दो विचारों को एक साथ महिलाओं के लिए कपड़े बनाने के लिए लाया जो आधुनिक महिलाओं के लिए स्वतंत्र और आकर्षक हैं।

सेंट लॉरेंट के विन्सेंट वैन गॉग जैकेट इस बात का उदाहरण हैं कि कैसे यवेस ने कलाकार प्रेरणा को अपनी खुद की डिजाइन प्रतिभाओं के साथ जोड़ा। उनके अन्य वस्त्रों की तरह, कलाकार से संबंधित विषयों को कॉपी नहीं किया गया और सेंट लॉरेंट के कपड़ों पर चिपकाया नहीं गया। इसके बजाय, उन्होंने उन्हें प्रेरणा के स्रोत के रूप में उपयोग करने और अपनी शैली को प्रतिबिंबित करने वाले टुकड़े बनाने के लिए चुना। जैकेट 80 के दशक की शैली का एक उदाहरण है, जिसमें वान गाग की सुरम्य शैली में सूरजमुखी के साथ कढ़ाई की जाती है।

लॉरेंट ने हाउते कॉउचर कढ़ाई में अग्रणी मैसन लेसेज के साथ सहयोग किया है। जैकेट "सूरजमुखी" ट्यूबलर मोतियों के साथ कशीदाकारी है। फूल नारंगी और पीले रंग की चमक के विभिन्न रंगों से भरे हुए हैं। यह कैनवास पर मोटा पेंट लगाने की वैन गॉग की तकनीक के समान एक बहुआयामी बनावट बनाता है। यह लगभग चार लाख यूरो के लिए क्रिस्टी में अब तक की सबसे महंगी हाउते कॉउचर वस्तुओं में से एक होने का अनुमान है। सेंट लॉरेंट ने फैशन और समय की परवाह किए बिना कपड़ों को कला के काम के रूप में पहनने का मार्ग प्रशस्त किया।

विषय को जारी रखते हुए, इसके बारे में भी पढ़ें किस वजह से साको यामागुची को सफलता मिली, जिससे वह केंज़ो और यामामोटो के सबसे प्रिय संगीत में से एक बन गई.